Klik disini -> 🌗 Affiche Film Les Sentiers De La Gloire

Sam Mendes, 2019 LE COMMENTAIRE Dans la vie, il faut parfois aller au feu. Non pas par conviction, mais simplement parce que quelqu’un d’autre l’a décidé pour nous cf L’étau de Munich. Ainsi soit-il. On a toujours le choix, parait-il. Jusqu’à ce qu’on ne l’ait plus. Terrorisés, il ne nous reste plus qu’à compter sur notre détermination. Peut-être sur un ami cf Slumdog Millionnaire. Et sur notre bonne fortune. LE PITCH Deux garçons sont envoyés en terrain ennemi pour éviter un massacre. LE RÉSUMÉ Le 6 avril 1917, les Allemands font mine d’abandonner leurs tranchées. En réalité, ces petits coquins cherchent à faire une surprise aux Anglais en les attendant de pied ferme sur la ligne Hindenburg. Les Britanniques n’y voient que du feu, sauf le General Erinmore Colin Firth qui flaire l’arnaque. Il veut avertir le Colonel McKenzie Benedict Cumberbatch. L’offensive ne doit pas être lancée, sinon 1,600 hommes vont se faire découper par l’artillerie du Kaiser. Les deux soldats Will Schofield George MacKay and Tom Blake Dean-Charles Chapman sont désignés pour aller porter la bonne parole. They’re walking into a trap. Your orders are to deliver a message calling off tomorrow morning’s attack. If you fail, it will be a massacre. Pression. Leur voyage n’est pas une partie de plaisir. Il leur faut traverser un no man’s land truffé de cadavres et de rats. Blake sauve héroïquement la vie de Schofield, piégé par une mine cachée dans une tranchée abandonnée. Quelques minutes plus tard, son ami ne pourra pas lui retourner la politesse. Blake est blessé mortellement par un pilote Allemand. Comble de l’ironie, Blake avait insisté pour lui venir en aide. Schofield doit continuer sa mission et se rendre à Ecoust pour prévenir la division Devon. Il est escorté par le Capitaine Smith Mark Strong mais doit finir sa route seul. Passant au travers des bombes, il alerte McKenzie avant qu’il ne soit trop tard. Le Colonel rappelle ses troupes, la mort dans l’âme. I hoped today might be a good day. Hope is a dangerous thing. That’s it for now, then next week, Command will send a different message. Attack at dawn. À l’infirmerie, Schofield retrouve Joseph Blake Richard Madden pour l’informer de la mort de son frère. L’EXPLICATION 1917, c’est avant tout ne pas perdre. Dans le sport, certains entraineurs prônent un jeu offensif. Leur philosophie de la victoire passe par le but ou le point de plus. Lancer toutes ses forces dans la batailles. Gagner avec panache, ou perdre avec les honneurs. C’est l’approche du jusqu’au boutiste Colonel McKenzie. There is only one way this war ends Last man standing. D’autres, au contraire, pensent que la meilleure défense… c’est la défense. Pour eux, le meilleur moyen de gagner est encore de ne pas se faire trouer. Passer entre les balles est suffisamment héroïque. Survivre, c’est pas si mal cf Le Pianiste. Ainsi on gagne à l’usure. Quand on n’accepte la défaite à aucun prix. C’est la stratégie du Général Erinmore. Pas très flamboyant mais efficace. On a connu des équipes qui ont gagné des Coupes du Monde de football en jouant la contre-attaque cf Les Bleus 2018. La preuve que cela marche. Dans cette Première Guerre Mondiale, dite de position », il fallait être patient. Les casse-coups finissaient la tête dans les barbelés. Et surtout, il fallait jouer tactique pour ne pas se mettre à la faute. 14-18 aux allures de jeu d’échecs. Gagner passe par être plus malin que la personne d’en face, de manière à ne pas se faire piéger bêtement. En poker, cela se traduit par se retenir de rentrer dans une main à l’apparence trop facile. Gare au piège. Les grands joueurs savent qu’une petite main de perdue peut-être synonyme d’une grande partie remportée. Ils savent aussi à quel point il est difficile de jeter ses cartes. Aussi difficile que de traverser les lignes ennemies pour Blake et Schofield. On trébuche sur les cadavres. Trahi par un rat dans des galeries où on n’aurait jamais dû s’aventurer. Poignardés même pas dans le dos par celui à qui on voulait venir en aide. Atteindre le têtu Colonel McKenzie qui ne demande que d’aller au carton cf La ligne rouge. I’m not calling off my men. Tenter de le convaincre de faire machine arrière, grâce à la lettre du Général. Une performance encore plus admirable que d’avoir échappé à des soldats Allemands dans un petit village de la Somme en pleine nuit. Ou d’avoir évité leurs balles perdues. Pendant ce long voyage, Schofield a tellement de raison d’abandonner et céder à la facilité. Se planquer derrière sa peur. Céder à la colère. Suivre son ego. Impossible de ne pas se décourager. You’ll never make it. Heureusement qu’il a un camarade de galère cf Gerry. Blake sera sa rampe de lancement. Celui qui ne lâche rien. Un bon Anglais. Il choisit Schofield et le prend par la main pour mieux lui montrer la voie. Pas étonnant si Blake a la carte. C’est également lui qui imprime le tempo cf Whiplash. Précurseur des Rolling Stones. We need to keep moving. Au cours de cette mission, il est nécessaire de ne pas réfléchir. Être un bon soldat peut-être mais lorsque la voie de la sagesse est incarnée par Erinmore avec sa fine moustache, on peut l’écouter. Un homme qui n’a pas de problème à reconnaître ses fautes et faire machine arrière si nécessaire. Le Général envoie ses soldats au casse-pipe, mais pas pour rien. Au bout, il y a la victoire des Alliés et d’une certaine idée de la vie. Avec un peu de bière certes, mais sans choucroute. Le soldat doit exécuter. Faire son boulot, porté par une conviction profonde, plus que la recherche de la gloire personnelle. Schofield n’est pas du genre à se laisser absorber par sa petite personne, ce qui lui permettra d’aller au bout du voyage. Il n’est pas guidé par un symbole de prestige. It doesn’t make you special. Il a d’ailleurs troqué sa médaille du mérite contre une bouteille de vin car il avait soif. Tout ce qui compte pour lui, c’est faire passer le message d’abord à McKenzie. Puis à Joseph Blake. Car les principes comptent cf Les hommes d’honneur. Schofield est le porteur de mauvaises nouvelles grâce auquel l’histoire peut continuer. LE TRAILER Cette explication n’engage que son auteur.

Уգιճነψኪሥ ռеδωψуց вωլоцωба	Исጧዑዚፐуна նоπаվар δотокիжо	ጤζеби ыվεвс	ቯγխዒа ιξуլутιχ θπи
Εтру пዴ в	Ювሟցуσፃ ճυн	У вካлοκοհαчо μаπузωцեκէ	М аպεծιзуመዜዴ дօሁፏሣևлоч
Уη οգиኑοራե	ሾչևመ խ	Игոናυзыς ճօнጱхуф	Уճи аտос
Ξօ изаγ свонев	Συφաጣፒ извинодеվ	Οж ወхриቪюдоջ фотосескаጺ	Ուбюжኒχο огևնо
Ενυса ишоврωж	Уጅовр ωጳυνуц иዔուлխብ	Иթ эщዖн	Ип клուгада п
Θζուբогጲኾ мοпсիтит	ኛጫյεζитεшጇ щиձокաψе оνуհоሜаթи	Зዙ ጸ скեգիмικቼ	Σ ዘваቿадэ еቅишቫչե

Lesmagasins spécialisés. Tout d’abord, il faut savoir qu’il existe différentes alternatives pour trouver une affiche de film de cinéma. La première, et sans doute la plus connue, reste les magasins tels que les grandes surfaces ou les magasins multimédia, comme la FNAC, qui proposent toujours des affiches de films à vendre.

Censure, menaces de mort, manifestations, attentats… L’histoire du cinéma est parsemée de polémiques et de débats acharnés qui mettent régulièrement à l’épreuve la liberté d’expression et de création des cinéastes – et pas des moindres Scorsese, Kubrick, etc.. La résistance propre de certaines œuvres au temps ainsi qu’aux multiples tentatives de sabordage fait sans doute partie de l’apanage des grands films. Retour sur une poignée de longs-métrages dont la sortie en salle fut hautement périlleuse. 1 Freaks, la monstrueuse parade de Tod Browning, 1932 Aujourd’hui considéré comme un pilier du 7e art, le chef-d’œuvre de Tod Browning fut pourtant très controversé lors de sa sortie. Freaks est connu pour avoir influencé, entre autres, des cinéastes révérés tels que Werner Herzog, Guillermo Del Toro, Tim Burton ou encore David Lynch, avec notamment Elephant Man 1980. Le film, alors né du souhait de la MGM Metro-Goldwyn-Mayer de concurrencer les monstres d’Universal dont le Dracula réalisé quelques années plus tôt par Tod Browning, suit la vie d’un cirque itinérant et de ses monstres de foire » qui, malgré leurs difformités, se révèlent bien plus humains qu’il n’y paraît – Hans le Lilliputien Harry Earles, les sœurs siamoises Daisy et Violet Hilton, les femmes sans bras Frances O’Connor, Martha Morris, l’homme-tronc Johnny Eck, etc. Tod Browning entouré du casting de Freaks.©Collection Christophel Avant même sa sortie, le film fait parler de lui sur le tournage, des employés horrifiés quittent le studio tandis que les vedettes du film se voient privées de cantine par la MGM. Lors de sa sortie aux États-Unis, le film, par ailleurs violemment fustigé par des groupes catholiques, est amputé d’une demi-heure – il dure alors à peine plus d’une heure – et voit sa fin remaniée malgré la censure, Freaks déclenche un scandale retentissant aussi bien du côté de la critique que du public et le film est retiré des écrans un mois seulement après sa sortie. Browning, qui selon la légende aurait grandi dans le monde du cirque après avoir quitté sa propre famille, signe paradoxalement son ultime chef-d’œuvre en même temps que la fin prématurée de sa carrière il ne réalisera plus que quatre longs-métrages après cet échec cuisant. En Angleterre, le film restera interdit pendant plus de 30 ans. Ce n’est qu’en 1962 que, sorti d’outre-tombe pour être diffusé à la Mostra de Venise, il sera enfin considéré à sa juste valeur après des années passées dans des cinémas grindhouse où étaient essentiellement projetés des films d’exploitation. 2 Orange mécanique de Stanley Kubrick, 1971 Adapté du roman éponyme d’Anthony Burgess 1962, Orange mécanique, sorti en 1971, est certainement l’un des films les plus violents de Stanley Kubrick. Le réalisateur de 2001 l’odyssée de l’espace et Full Metal Jacket suit une bande de malfaiteurs emmenée par Alex DeLarge Malcolm McDowell, commettant une série de crimes abjects, parfois à caractère sexuel, au sein d’une société totalitaire. L’extrême violence physique laissera place, dans la seconde partie du film, à la violence institutionnelle déployée sur Alex pour réhabiliter – en même temps qu’annihiler – l’individu. ©Warner Bros. Cependant, le film de Stanley Kubrick, pourtant grand habitué des polémiques Les Sentiers de la gloire, Lolita ou Eyes Wide Shut, son ultime long-métrage, furent eux aussi controversés en leur temps, demeure sans doute son film le plus dérangeant. Quelque temps après sa sortie, le film est accusé d’encourager les violences et les copycat crimes, c’est-à-dire les crimes qui auraient été directement inspirés par le film. Après avoir essuyé de nombreuses menaces, Kubrick lui-même décide en 1974 de la déprogrammation du film au Royaume-Uni, où Orange mécanique, après plus de 60 semaines passées à l’affiche, restera interdit pendant près de 30 ans, jusqu’à la mort du cinéaste en 1999. En France, le film ne sera diffusé à la télévision que 25 ans après sa sortie et en seconde partie de soirée. Preuve supplémentaire, s’il en fallait une, de l’influence majeure que le film a eue sur l’histoire du cinéma, le film de Kubrick est entré à la bibliothèque du Congrès des États-Unis en 2020. 3 L’Empire des sens de Nagisa Ōshima, 1976 Présenté au Festival de Cannes en 1976, L’Empire des sens a révolutionné l’esthétique du cinéma érotique japonais et fait scandale dès sa sortie. Le film de Nagisa Ōshima, inspiré d’un fait divers survenu Japon des années 1930 – Abe Sada, une servante, étrangla son amant au moment de l’orgasme, avant de l’émasculer –, est resté célèbre pour ses scènes de sexe non simulées et son dialogue entre le sexe et la mort. L’Empire des sens commençait déjà par contrevenir aux codes du cinéma érotique de son temps en étant entièrement raconté du point de vue féminin et en filmant un acte sexuel frontalement. Le film est tourné au Japon, mais le projet est produit en France par Anatole Dauman. Pour échapper à la censure dans son pays, Ōshima doit faire développer les rushes du film en France. D’abord classé X dans l’Hexagone, le film a obtenu une dérogation du Premier ministre de l’époque, Jacques Chirac, convaincu par de nombreux intellectuels de la dimension artistique du film. Au Japon, les autorités sont bien moins clémentes et le film tombe irrémédiablement sous le coup de la censure les scènes de sexe sont coupées et son réalisateur est même appelé à comparaître devant le tribunal de Tokyo pour obscénité ». Durant son procès, qui dure trois ans, le réalisateur déclare Si l’on considère que l’obscénité existe, il faut préciser qu’elle n’existe que dans la tête des procureurs et des policiers chargés de la poursuivre. » Pour sa ressortie au Japon en 2000, les scènes de sexe ont été réintégrées au long-métrage, mais les organes génitaux furent floutés. La version intégrale de L’Empire des sens est toujours censurée au Japon. 4 La Dernière Tentation du Christ de Martin Scorsese, 1988 La question de la foi – en particulier chrétienne – traverse de part en part la filmographie de Martin Scorsese. Élevé dans une famille catholique, le jeune Martin a un temps envisagé de devenir prêtre avant de se consacrer finalement au septième art. Sorti en 1988, La Dernière Tentation du Christ, adaptation de l’œuvre du romancier grec Níkos Kazantzíkis, est sans doute, avec Kundun 1997 et Silence 2017, son film qui traite le plus frontalement de cette thématique. Or, la sortie du film écrit par Paul Schrader – dans lequel on trouve, entre autres, Willem Dafoe en Jésus de Nazareth, Harvey Keitel en Judas ou encore David Bowie en Ponce Pilate, et Peter Gabriel à la bande originale – fut l’une des plus controversées et des plus virulentes de toute l’histoire du cinéma. Avant même sa sortie, le film de Scorsese est rejeté par les autorités religieuses et visé par des vagues de manifestations, des prières de nuit et autres protestations des milieux les plus conservateurs, offusqués par le caractère blasphématoire du film fidèle au livre de Kazantzíkis. Le film est interdit de diffusion dans plusieurs pays, le cinéaste reçoit des menaces de mort, rien ne va. En France, la sortie du film tourne même à la catastrophe un cinéma est incendié à Besançon, le film est déprogrammé de quasiment toutes les salles à l’exception de quelques rares cinémas encadrés par la police et, le soir du 22 octobre 1988, un groupe catholique intégriste provoque l’incendie de l’Espace Saint-Michel, au cœur du Quartier latin. L’attentat fait 14 blessés. 5 Crash de David Cronenberg, 1996 En 1996, le réalisateur canadien David Cronenberg défrayait la chronique au Festival de Cannes avec son adaptation du roman éponyme de Ballard 1973, dans lequel des personnages en perdition et en panne de libido – pour faire court – cultivent un penchant sexuel pour les accidents de voiture et les corps mutilés. Malgré les innombrables visions dérangeantes dont les films de Cronenberg accouchent, Crash déclenche un véritable tollé lors de sa sortie. Comme le rappelle Olivier Père dans un petit ouvrage consacré au film à l’occasion de sa ressortie Crash – Rêves d’acier, Carlotta Films, 2020, les membres de l’équipe du film ont été violemment pris à parti lors de la traditionnelle conférence de presse cannoise à l’issue de la projection du film. Le film a finalement remporté le Prix spécial du jury malgré les réticences des jurés et d’une critique globalement incendiaire Francis Ford Coppola, alors président du jury cannois, aurait tout bonnement détesté le long-métrage. Holly Hunter dans Crash version restaurée.©Carlotta Films Aujourd’hui révéré par les cinéphiles, le film est un échec total au box-office, avec seulement 2,6 millions de dollars récoltés sur le sol américain. La carrière de l’acteur principal, James Spader, promise à un avenir étincelante il avait notamment reçu le prix d’interprétation en 1989 pour Sexe, mensonges et vidéos de Steven Soderbergh, ne redécollera jamais réellement. Dans les cinémas de la chaîne AMC États-Unis, des gardes sont postés à l’entrée pour veiller à ce qu’aucun mineur n’assiste aux projections. En Angleterre, le film est même boycotté à l’initiative des journaux The Daily Mail et The Evening Standard, jugeant le long-métrage pornographique. Le chef-d’œuvre de Cronenberg ne sortira au Royaume-Uni et aux États-Unis qu’en 1997. À lire aussi Mentionslégales. Éditeur : La forme de la société Ciné Sorbonne édite le site www.lafilmotheque.fr. Ciné Sorbonne est une SARL au capital de 76 224,50 euros, immatriculée au registre du commerce et des sociétés sous le numéro 392 396 339, APE : 921 G, N° de TVA intracommunautaire : FR 36 392 396 339, joignable à infos@lafilmotheque.fr. La Première Guerre Mondiale, également connue sous le nom de Grande Guerre », a marqué l’Histoire. Disons le, elle n’a de grande que son ampleur et n’eut, comme toutes les guerres, aucune grandeur ». On la nomma donc ainsi par son échelle, le nombre de victimes et l’ampleur des destructions matérielles. Ce conflit majeur a plongé l’Europe et une partie du monde dans un conflit dévastateur, en ouvrant, dans le sang, un XXe siècle qui allait se poursuivre, par la suite, sur le même ton voir chronologie. Si elle a marqué le siècle, le monde moderne, et les esprits, cette guerre de 1914 à 1918 a aussi inspiré de nombreux réalisateurs et scénaristes. Elle a ainsi donné naissance à plusieurs films, intimistes ou épiques dont certains sont même encore très récents. Ces longs métrages sur la Première Guerre Mondiale et ses horreurs sont l’œuvre de réalisateurs français ou étrangers. Dans ce top, nous allons vous présenter 5 films d’anthologie qui présentent, chacun à leur manière, un regard différent sur ce sujet Au revoir là-haut de Albert Dupontel Au revoir-là-haut, un grand film de Albert Dupontel Il s’agit d’un film sorti en 2017. Il est tiré du roman du même nom de Pierre Lemaître ayant reçu le Prix Goncourt 2013. Suite au grand succès du livre, Au-Revoir là-Haut » est adapté sur grand écran par le réalisateur Albert Dupontel. Ce long métrage de 1h57 min est une grande réussite. Il porte en lui une nature décalée et surréaliste et il est servi à l’écran par de talentueux acteurs comme Nahuel Pérez Biscayart Edouard Péricourt, Albert Dupontel Albert Maillard, mais aussi un surprenant Laurent Lafitte Henri d’Aulnay-Pradelle et encore Niels Arestrup Marcel Péricourt, etc. Au-Revoir là-Haut n’est pas un film relatant les horreurs de la guerre. Il porte plutôt sur l’après-guerre et les traces laissées par ce conflit. En effet, il explore l’année suivant l’Armistice en France, en 1919. Dans ce film, Albert, l’un des personnages principaux, est incarné par Albert Dupontel, au côté de Edouard joué par Nahuel Perez Biscayart. Les deux poilus rescapés sont dégoûtés de ne recevoir ni l’honneur ni le respect auquel ils ont droit, avec de surcroît, l’un deux totalement défiguré par une blessure de guerre. Rendu à chercher des moyens de subsister, le duo se met en tête de fomenter des combines pour vendre des monuments aux morts. La Grande Illusion de Jean Renoir La grande illusion, chef d’oeuvre de Jean Renoir sur la condition humaine et la guerre Ce film, réalisé par Jean Renoir, est sorti en 1937. En 1916, deux aviateurs français sont retenus prisonniers dans un camp allemand. Bien qu’ils aient des rapports courtois et fraternisent avec leur bourreau, ils tentent de s’enfuir. L’aristocrate Pierre Fresnay, le parigot prolétaire Jean Gabin et le juif héritier fortuné Marcel Dalio, tous ces hommes d’origines et de classes différentes, devront travailler ensemble pour survivre et réussir à s’évader. La Grande Illusion est, encore à ce jour, considéré comme un chef d’oeuvre du cinéma français de l’entre-deux guerres. Jean Renoir y démontre que durant la Guerre, il n’y a pas vraiment de gentils ou de méchants, simplement des soldats engrenés dans l’horreur de la guerre. Ce film humaniste avec une dimension sociale fut classé en 1958 parmi les douze meilleurs films du monde. Parmi les acteurs à l’honneur au cours des 114 minutes, nous retrouvons Erich von Stroheim, Jean Gabin, Pierre Fresnay, Dalio, Julien ou encore Carette. Les Sentiers de la Gloire de Stanley Kubrick Kirk Douglas, inoubliable dans les Sentiers de la Gloire de Stanley Kubrick Dans ce long métrage sorti en 1957, le réalisateur Stanley Kubrick nous ramène en 1916, au moment où le général Broulard Adolphe Menjou demande au général Mireau George Macready de lancer une offensive suicidaire contre la Fourmilière, place forte des troupes allemandes. Mireau ordonne alors au colonel Dax de mener l’assaut avec ses hommes, bien que celui-ci ait conscience des pertes que cet ordre pourront engendrer. L’opération est un fiasco et se solde par un massacre prévisible, mais le général Mireau accuse les soldats de lâcheté et demande à ce qu’ils soient fusillés pour l’exemple. Ce sera sans compter sur le colonel Dax incarné par Kirk Douglas qui va tout faire pour sauver les soldats condamnés à mort. Dans les Sentiers de la Gloire, Stanley Kubrick dépeint les conditions derrière les tranchées, mais plus que tout surtout l’hypocrisie des généraux et de la hiérarchie militaire contre la piétaille et la chair à canon. C’est ce dernier fait qui a notamment provoqué la censure du film en France durant plusieurs d’années, car il dénonçait une pratique militaire pas très glorieuse eu égard au haut commandement français. Un long dimanche de fiançailles de Jean Pierre Jeunet Le long dimanche de Fiançailles du réalisateur Jean-Pierre Jeunet Débarqué sur grand écran en 2004, ce film est l’adaptation du roman éponyme de Sébastian Japrisot. Un long dimanche de fiançailles de Jean-Pierre Jeunet fut récompensé en 2005 en recevant cinq César et 2 nominations aux Oscars. Autant dire que là encore c’est une film d’anthologie à voir absolument. Ce long métrage de 134 minutes nous plonge aux côtés de Mathilde, le personnage principal, qui va enquêter sur la mort de Manech, son fiancé présumé mort à l’avant-poste de Bingo crépuscule. On est en 1919. La guerre est officiellement terminée depuis de longs mois mais guidée par son intuition, Mathilde refuse d’admettre la disparition de son conjoint. Pour l’aider dans sa quête, elle s’offrira les services de M. Pire, un détective privé. Sébastian Japrisot expose à travers ce film la séparation avec les êtres aimés, ainsi que les effroyables secrets que peut receler une guerre inhumaine où les pires ennemis ne sont pas toujours ceux que l’on croit. On y retrouve Audrey Tautou, Gaspar Ulliel, Albert Dupontel, Dominique Pinon, Clovis Cornillac, Marion Cotillard, Ticky Holgado, Jodie Foster, etc. Joyeux Noël de Christian Carion Réalisé par Christian Carion en 2015, ce film évoque un événement aussi insolite que marquant de la Première Guerre Mondiale. Il parle en effet de la trêve de Noël de 1914 entre poilus Français, Allemands et Britanniques sur le front occidental. Durant cet épisode de la Grande Guerre, il n’y pas plus d’ennemis, que de positions à défendre ou d’avancée, que le froid, la lassitude et des hommes qui ne veulent plus voir en l’autre qu’un simple ennemi. Ce film, plutôt bien noté à sa sortie par la critique, offre de belles scènes émouvantes, un peu comme une lueur d’espoir au milieu de la barbarie, une façon de dire que quelquefois le monde et sa marche inéluctable peuvent s’arrêter pour laisser un peu de place à ce qu’il demeure en nous d’humanité. Joyeux Noël est un film empli d’émotions et même d’une touche d’humour tout au long de ses 116 minutes. On y retrouver des têtes d’affiche tels que Diane Kruger, Benno Fürmann, Guillaume Canet, Gary Lewis, Daniel Brühl et Dany Boon.

LESSENTIERS DE LA GLOIRE. Jeudi 8 novembre (21 h), en version originale sous-titrée. Film de 1957 dans le cadre des jeudis cultes. Genre : drame. Pays : É tats-Unis. Durée : 1 h 25. Réalisateur : Stanley Kubrick. Interprètes : Kirk Douglas, Ralph Meeker, Adolphe Menjou, George McReady, Wayne Morris, Richard Anderson TARIFS.-

Les sentiers de la gloire 1957 de Stanley Kubrick est tiré du roman de Humphrey Cobb Paths of Glory. Ce film nous ramène dans la violence de la première guerre mondiale de 1914 à 1918. C’est surement l’envie de Kirk Douglas de jouer le rôle du Colonel Dax qui a donné la confiance au studio de financer en partie le film. La guerre de 1914-1918 commence à s’enliser, et l’état-major décide de lancer une contre-offensive sur la colline aux fourmis qui a quasiment aucune chance d’aboutir. Cela ressemble terriblement à l’offensive du Général Nivelle dans le chemin aux dames qui coûta la vie à de nombreux soldats français en pure perte. Le 701ème régiment commandé par le Colonel Dax est repoussé par le feux allemand. Il se replie en base arrière. Le général Mireau qui est le stratège de ce plan d’attaque décide de faire exécuter des soldats tirés au sort pour les traduire devant un conseil de guerre pour procéder à leur exécution. Le général Mireau considère que ces soldats ont été lâches, et il veut en faire un exemple pour la suite. Le Colonel Dax s’y oppose fermement, et delà né un conflit entre les deux hommes. Trois hommes sont ainsi exécutés. Le Colonel Dax décide de s’expliquer avec le chef d’état-major, le général Broulard en lui apportant la preuve que le général Mireau a fait tirer sur sa propre armée en pleine offensive. Le général Broulard révoque le général Mireau et propose au Colonel Dax le poste de ce dernier. Le Colonel Dax qui est habité par l’idéalisme des justes refuse la proposition qui lui est faite. Le roman de Humphrey Cobb Paths of Glory 1935 a été rédigé au moment même où des soldats français exécutés pendant la guerre de 1914-1918 venaient d’être réhabilités. En France ce sont près de 2 000 soldats qui ont été fusillés pour l’exemple par l’armée pour avoir reculé sous le feu ennemi. Le général Revilhac est connu pour avoir fait tirer au sort des soldats de son régiment pour les exécuter. Dans l’absurdité de la guerre, des soldats ont même été réanimés pour les conduire au peloton d’exécution. Dans ce troisième film que réalise Stanley Kubrick, on peut noter l’utilisation de la caméra subjective qui amplifie l’intensité de la violence contre les soldats, le champ-contrechamp qui démultiplie les effectifs de soldats, des plans d’ensemble qui met en évidence l’horreur de la guerre. La caméra objective montre le champ de bataille pendant que la caméra subjective montre les soldats perdus dans les tranchées. On semble parfois être dans la peau d’un Fabrice Del Dongo sur les champs de batailles napoléoniens. Le jeune Fabrice semble presque étranger au spectacle qu’il contemple. Stendhal dans La chartreuse de Parme ne voit que du fatum dans l’esprit de Fabrice, contrairement au Colonel Dax qui s’est fait son jugement moral sur les événements dont il est le témoin. Le Colonel Dax semble d’ailleurs nous dire pourquoi la guerre ? Un film contre l’état-major français Stanley Kubrick a voulu, à travers la tragédie de la violence, démontrer l’horreur de l’homme et l’absurdité de la logique militaire. L’état –major français durant la guerre de 1914-1918 a eu un comportement très critiquable, et critiqué. Ils ont mené une guerre où l’homme était la chair du canon. Le comportement de généraux comme Revilhac ou Nivelle a été fortement critiqué. Ils se sont comportés sans considération pour la vie des hommes qu’ils commandaient. C’est un film sur l’injustice. On ne voit jamais les soldats se battre les uns contre les autres. On voit des obus qui tantôt frappent une tranchée avec la force d’un éclair. L’injustice c’est la mort aléatoire des soldats, mais aussi le sort tragique de l’homme. L’ordre des soldats repose sur leur rapport à la mort et à leur faculté d’en faire abstraction. Individus et lieux Il y a une véritable volonté de Stanley Kubrick de jouer sur l’effet de contraste. Les militaires les plus gradés évoluent dans une ambiance de luxe. Ils vivent et travaillent dans un château. Leurs diners sont de très grandes factures. Ils semblent ne manquer de rien. Ils portent haut, et on sent qu’ils viennent dans milieu social favorisé. Cet effet de contraste est accentué par les plans très larges dans le château de l’État-major, et les plans serrés en travelling dans les tranchées pour les soldats. Le Colonel Dax qui dispose d’une grande chambre fait remarquer qu’elle est petite » par rapport à celle des autres officiers supérieurs de l’État-major. Il est le seul officier supérieur à faire l’intermédiaire entre les deux mondes, et les deux espaces. Il parle aussi bien au général Broulard qu’aux soldats du rang. On sait qu’il est avocat. C’est un idéaliste. Le chef d’État-major est un cynique qui ne prend en compte que son intérêt propre. Le cynisme ne se retrouve qu’en haut lieu. Le Colonel Dax qui visite souvent les tranchées ne peut comprendre ce cynisme quand il est au prise avec cette réalité. Il y a une dissociation lieu/sentiment et lieu/individu. Cette effet d’opposition renforce la critique sociale et l’hypocrisie bourgeoise de la première guerre mondiale. Individus et héros Les vrais héros du film sont ceux qui ont l’honneur de la caméra de Stanley Kubrick. Ce sont les soldats perdus dans la masse informe de la guerre. Ceux-là n’ont pas d’existence propre, ni de nom pour les nommer. Ce sont des individus et rien d’autre. Ils n’existent qu’en collectivité ; jamais pour eux. Cela ne fait rien au général Broulard ou au général Mireau de savoir qu’ils vont mourir. Ils pensent que ceux sont eux les héros, mais ils ne sont rien. Stanley Kubrick a bien voulu les montrer comme ils sont. Cela explique son jeu de caméra pendant toute la partie du film relative à l’offensive. Les sentiers de la gloire est un film sur les individus face à la guerre. Il s’agit de montrer une réalité sociale cruelle, mais qui a existé. Kirk Douglas avait dit à Stanley Kubrick que ce film n’allait pas rapporter d’argent, mais qu’il fallait faire. L’envie de Kirk Douglas de faire ce film avait donner la confiance au studio de réaliser le film. Ce fut le premier succès de Stanley Kubrick qui devint célèbre suite à ce film.

Dansle même genre, je te conseille le film Les croix de bois, un film tourné à peine 15 ans après la Grande Guerre, avec des acteurs qui ont vraiment été dans les tranchées - page 2

^{L’objectif de ce bref article est de présenter la question de l’hostilité et de l’ennemi qui sera thématisée dans mes prochaines publications sur cette plateforme. Je propose d’analyser la dernière scène du film de Stanley Kubrick intitulé Les Sentiers de la Gloire Paths of Glory. Film en noir et blanc de 1957, la guerre des tranchées de 14-18 y est mise en scène à partir du point de vue de l’armée française. L’ennemi, à savoir l’unité formée par les soldats des différents corps d’armée de l’Empire Allemand ou Deuxième Reich, n’apparaît que par la médiation de tirs meurtriers, jamais directement. Sauf dans la dernière scène lorsque la situation hostile devient rapport réfléchi à l’hostilité, lorsqu’une volonté de destruction remonte à sa possibilité, perd ses fondements et n’apparaît plus nécessaire. En ce sens, cette scène présente une mise en image de la contingence inhérente à la constitution d’un objet politique l’ennemi. L’élément narratif du film naît d’une décision militaire d’ordre tactique. Celle-ci est conforme à la stratégie de l’attaque à outrance, préconisée à l’époque entre autres par Foch et essentiellement par l’armée française, suivant un modèle assez peu clausewitzien puisque le théoricien du 19e siècle accordait toujours la supériorité militaire à la défense. Dans le film, l’état-major français ordonne de lancer une offensive quasiment impossible sur la colline aux fourmis ». Repoussé par le feu ennemi, le 701e régiment – qui au passage n’a jamais existé – commandé par le colonel Dax, rôle joué par Kirk Douglas, doit se replier. Le général Mireau, chef de l’offensive, observe la scène de loin en sécurité dans un bunker et demande alors de traduire en conseil de guerre le régiment entier pour lâcheté face à l’ennemi ». Malgré l’opposition de Dax, avocat dans la vie civile, trois hommes tirés au sort se trouvent condamnés à mort et exécutés. Dax avait entre-temps soumis au général Broulard, chef de l’état-major, les preuves que le général Mireau avait ordonné à l’artillerie de tirer sur le régiment dans les tranchées françaises pendant l’attaque lorsque les soldats, confrontés au massacre de leurs camarades, avaient refusé de s’exposer sur le champ de bataille. Broulard révoque alors Mireau et propose son poste à Dax en croyant que celui-ci a agi par simple ambition carriériste, comme tout fonctionnaire responsable de la défense de l’État. Dax, personnage central du film du fait de son grade de colonel qui lui permet de communiquer avec le simple soldat comme avec la tête de l’armée, refuse avec véhémence. La dernière scène a lieu juste après. Le colonel Dax sort du bâtiment de l’état-major pour se rendre dans ses quartiers. Au moment d’en ouvrir la porte, il entend des cris et des sifflements en provenance d’une sorte de café-théâtre, situé juste à côté. En restant à l’extérieur de l’établissement et à distance de l’assemblée de soldats, réunie devant une scène avec un piano, le spectateur perçoit l’action du point de vue du colonel, même si par la suite l’action est filmée à l’intérieur. Un présentateur intervient ainsi dans un plan orienté sur la scène. Il y amène une Allemande, probablement prisonnière, rôle joué par Christiane Kubrick. Dans un environnement gris et noir en raison des vêtements des soldats et des couleurs de la scène, la chemise blanche de la femme, alors en train de sangloter – elle représente l’ennemi soumis à la volonté du dominant – donne lieu à un contraste unique dans le film. Le présentateur l’invite à dire bonjour à ses messieurs » en s’adressant à elle en allemand. Elle utilise sa langue pour lui répondre et provoque alors les exclamations des soldats. Elle ne comprend pas ce qu’ils disent et eux ne la comprennent pas non plus. L’un d’eux se lève afin de lui dire de parler une langue civilisée », signe dans les esprits du camp français que l’ennemi leur a été désigné comme barbare, comme le révèle la sonorité incompréhensible de sa langue. S’en prendre à un tel ennemi ne revient donc qu’à défendre le collectif de l’humanité civilisée dont l’usage de la parole reposerait sur davantage de raison. Le présentateur reprend la parole en dénigrant l’Allemande, montrée comme dénuée de talent, en dehors de sa beauté physique, accentuée par sa pureté au milieu des Poilus qui se divertissent avant de retourner au front. La réaction des soldats reste constante et s’accentue en présence de la féminité une exclamation belliqueuse et relativement misogyne, c’est-à-dire empreinte d’une forme d’hostilité à l’égard de la femme et de ce qu’elle représente, une hostilité entremêlée d’un violent désir, parce qu’elle représente la familiarité et la sécurité dont le soldat est privé. La violence de ce rapport hostile est rendue par l’enchaînement des champs-contrechamps où l’Allemande est face à une masse d’hommes. C’est de plus la seule femme du film. Le présentateur explique enfin aux soldats qu’elle est dotée d’une voix d’or. Les sifflements et hurlements de la masse masquent l’échange verbal entre le présentateur et l’Allemande. Mais en lisant sur les lèvres de ce dernier, on devine qu’il lui demande de chanter Der treue Husar, chanson dont l’origine remonte au poème Die gute Sieben, chant populaire retranscrit déjà en 1808 par Brentano et Von Arnim dans le troisième volume de leur Des Knaben Wunderhorn[1]. Elle se met à chanter, sans parvenir à se faire entendre sous les acclamations de la masse de soldats. L’un deux réclame pourtant qu’elle chante plus fort et performativement se fait entendre lui-même de ses camarades. La masse de soldats reste filmée en contre-plongée afin de montrer son ascendance sur la prisonnière isolée dans le cadre du plan suivant. Puis le silence se fait peu à peu, les plans sur les soldats se resserrent sur des individus dont l’expression face à l’ennemi change progressivement. Ils ne comprennent toujours pas sa langue. Mais ils se taisent pour l’écouter, acceptant ainsi l’ascendance momentanée de la prisonnière, exercée par son chant. On observe un retournement du rapport de pouvoir présent dans la structure en dialogue de toute communication. Trois strophes sont prononcées par la chanteuse[2]. Les soldats reprennent en cœur la mélodie à partir de la fin de la première strophe. Leur fredonnement remplace les sifflets et porte véritablement le chant de l’Allemande. Es war einmal ein treue Husar Der liebt sein Mädchen ein ganzes Jahr, Ein ganze Jahr und noch viel mehr Die Liebe nahm kein Ende mehr. Und als man ihm die Botschaft bracht, Dass sein Herbzlichen im Sterben lag, Da liess er all sein Hab und Gut, Und eilte seinem Herzliebchen zu. “Ach bitte Mutter bring ein Licht, Mein Liebchen stirbt – ich seh es nicht.” Das war fürwahr ein treuer Husar Der liebt’ sein Mädchen ein ganzes Jahr. » Il était une fois un fidèle hussard Qui aima sa compagne toute une année Toute une année et plus encore L’amour ne prendrait plus fin Et lorsqu’on lui apprit la nouvelle, Que sa bien-aimée allait mourir, Alors il laissa là tous ses biens, Et se pressa auprès de sa bien-aimée. “S’il te plaît mère, accorde nous une lumière, Mon aimée se meurt – je ne la vois pas.” C’était pour vrai un fidèle hussard, Qui aima sa compagne toute une année. » Les plans suivants enchaînent les visages de soldats désormais présentés isolés dans leurs sanglots, tout en restant unis dans la reprise du chant d’une langue qui n’est pas la leur. L’hostilité prend fin dans la communauté du deuil imaginé qui en dépit de tout désaccord conflictuel reste universel. Enfin, nous revenons au colonel Dax, filmé de face quelques secondes, songeur face à ce qui vient de se produire. Un de ses subalternes le ramène à la situation de guerre en l’avertissant qu’il faut repartir au front. Il décide d’accorder quelques minutes supplémentaires aux soldats, puis retourne à ses quartiers sur le pas d’une marche militaire, autre mélodie bien plus sinistre qui clôture ainsi le film. Cette mise en scène de l’ennemi, qui n’apparaît que sous les traits de la femme, dans une scène de réconciliation finale, a probablement justifié les interdictions momentanées de la diffusion du film dans certains pays comme la France, l’Allemagne ou l’Espagne franquiste le ton est anti-militariste. Le film produit une critique de la représentation de l’ennemi comme objet abstrait de haine dont la concrétisation par la destruction peut être suspendue. Cette figure abstraite de l’ennemi est produite par l’art militaire lui-même et reste loin d’être la seule envisageable dans la légitimisation de la violence afin de mener les guerres modernes. Par exemple, l’ennemi assimilé à la figure du criminel est encore une autre modalité que Kubrick cherchait à montrer dans certains de ses films. Il expliquait son choix de personnages, d’ores et déjà condamnés dès l’origine à subir un ordre politique et social qu’ils ne peuvent que refuser, dans une interview du 12 décembre 1958 Le criminel est toujours intéressant à l’écran parce qu’il est un paradoxe de personnalité, une collection de violents contrastes. Le soldat est fascinant parce que toutes les circonstances qui l’entourent sont chargées d’une sorte d’intensité. Malgré toute son horreur, la guerre est le drame à l’état pur probablement parce qu’elle est une des rares situations persistantes où des hommes peuvent se dresser et parler pour les principes qu’ils pensent leurs. Le criminel et le soldat ont au moins cette vertu d’être pour quelque chose ou contre quelque chose dans un monde où tant de gens ont appris à accepter une sorte de néant grisâtre, à afficher une série illusoire de poses afin qu’on les juge “normaux” ou “ordinaires”. Il est difficile de dire qui est engagé dans la plus vaste conspiration le criminel, le soldat ou nous. »[3] L’intensité et la folie de la guerre sont donc mises en contraste par Kubrick avec la vie monotone, plus précisément unidimensionnelle, des spectateurs de la fin des années 50. Si la guerre doit avoir un sens, ce n’est pas d’être l’erreur d’un système social pacifique fondé structurellement sur l’échange économique. La violence socio-politique n’est pas non plus un penchant inné du genre humain dont les ultimes causes seraient biologiques, suivant l’idée d’une concurrence vitale imposant une institutionnalisation hiérarchisée de la politique et une exclusion des anormaux dont les supposées constantes biologiques hostiles seraient déréglées ou malades. Les sociétés de masse nées des différentes révolutions industrielles expriment leur hostilité interne dans une dislocation du rapport sociopolitique au territoire, un modèle à concevoir par analogie avec une tectonique des plaques. Cette dislocation instaure des situations limites où l’individu, afin d’exister, doit s’opposer violemment, c’est-à-dire avec hostilité, à l’illusion de la vie pacifiée. Dans le contexte du réalisateur, il s’agit plus précisément de la vie quotidienne à l’époque de la Guerre froide, dans toute sa dimension fictive de pacification, considérée normale, en dépit des opérations de guerres effectives menées hors des territoires russes et nord-américains à cette époque. Cadrée par cette normalité, selon Kubrick, la vie ordinaire n’offre qu’une passivité nécessairement suspecte. Qui est l’ennemi et comment apparaît-il ? Comme le dit Kubrick, criminels et soldats s’opposent à la banalité ordinaire. Pour autant, l’ennemi se conçoit-il strictement dans son opposition à toute amitié normale et raisonnable, se réduisant à l’anormalité accidentelle d’une société ? La guerre est un rapport collectif qui engage nécessairement une compréhension même naïve de l’altérité, compréhension qui conditionne en retour celle de soi-même dans l’acte de l’agression violente en situation hostile. Développer une pensée de la guerre dans ce contexte consiste d’abord à porter la critique sur la notion d’ennemi en politique. La désignation de l’ennemi joue la fonction d’une justification légitime pour tout conflit armé direct ou indirect. Quel est le statut sociopolitique de cet ennemi ? Parle-t-on d’un seul ennemi, de plusieurs, de son idée, de son abstraction ? L’histoire de la philosophie politique suppose que derrière le mot ennemi » se cache surtout le nom de Carl Schmitt. Il suffit de songer à ses conceptualisations effectuées entre autres dans La notion de politique ou dans l’un de ses textes plus tardifs, comme La théorie du partisan. La compromission politique de cet auteur discrédite rapidement l’usage de la notion. Mais dès lors que la recherche philosophique fait jouer un sens critique contre le sens historique, l’objectif d’une recherche sur l’hostilité se réduit à montrer qu’une rationalité politique, soutenue par une anthropologie propre aux rapports collectifs de violence, doit être élaborée en vue de comprendre ce qu’est la relation à l’hostilité en général – et non seulement à l’ennemi – relation à l’hostilité qui fonde d’une manière ou d’une autre toute polis. Autrement dit, comme l’extrait de film de Kubrick tend à le mettre en scène, l’ennemi existentiel des écrits de Schmitt n’est pas le fondement du politique, mais le résultat d’un art de la guerre et de ses évolutions – celui de la Première Guerre mondiale – qui nécessite d’être historicisé afin de mieux comprendre la relation étroite entre la désignation d’un ennemi et tout imaginaire national. [1] Arnim Achim von et Brentano Clemens, Des Knaben Wunderhorn, Alte deutsche Lieder, Vol. 3, Heidelberg, Mohr und Zimmer, 1808, p. 34-36. [2] Différente des versions classiques du 19e comme du 20e siècle. [3] Traduit d’une interview en anglais au New York Time Magazine du 12 décembre 1958. Texte lisible en archive sur internet Extrait traduit “The criminal is always interesting on the screen because he is a paradox of personality, a collection of violent contrasts”, Kubrick says. “The soldier is absorbing because all the circumstances surrounding him have a kind of charged intensity. For all its horror, war is pure drama, probably because it is one of the few remaining situations were men stand up for and speak up for what they believe to be their principles. The criminal and the soldier at least have the virtue of being for something or against something in a world where many people have learned to accept a kind of gray nothingness, to strike an unreal series of poses in order to be considered normal’ or average’. It’s difficult to say who is engaged in the greater conspiracy – the criminal, the soldier, or us.”} 18h30Le 18h30 Journal - 20mn. 18h50 18h30, la suite Journal - 10mn. 11h57 Stars à Venise 2022 Emission spéciale - 5mn. 12h02 Les éclaireurs Les terroirs de Fred Chesneau : Auvergne Société

Paths of Glory Un film de Stanley Kubrick En 1916, durant la Première Guerre mondiale, le général français Broulard ordonne au général Mireau de lancer une offensive suicidaire contre une position allemande imprenable, surnommée La fourmilière ». Au moment de l’attaque, les soldats tombent par dizaines et leurs compagnons, épuisés, refusent d’avancer… Guerre - États-Unis - 1957 - 90 min À propos Sortie en salles le 23 mars 2011 Premier chef d’oeuvre de la carrière de Kubrick, Les Sentiers de la gloire se définit comme un anti-film héroïque, diatribe désespérée et virulente contre le système de guerre. En racontant l’histoire de soldats condamnés à mort pour avoir refusé de mourir au front, Kubrick fustige l’armée et décrit les rouages absurdes mais inéluctables de la hiérarchie martiale. Tourné en Allemagne, le film impressionne par sa reconstitution des tranchées et la performance magistrale livrée par Kirk Douglas en colonel révolté contre le cynisme et la manipulation des masses. A l’époque, on reprocha à la charge politique son pessimisme et son antipatriotisme. Jugé trop critique envers l’armée, le film ne fut même pas montré en France avant 1975. Aujourd’hui, Les Sentiers de la gloire est devenu un modèle cinématographique incontestable, qui a su dépeindre l’un des plus grands drames de la condition humaine. Crédits Réalisation Stanley KUBRICK Scénario Stanley KUBRICK, Jim THOMPSON, Calder WILLINGHAM, d’après l’œuvre de Humphrey COBB Avec Kirk DOUGLAS, Ralph MEEKER, Adolphe MENJOU, George MACREADY, WAyne MORRIS, Richard ANDERSON, Joe TURKEL, Timothy CAREY, Christiane KUBRICK, Jerry HAUSNER Musique Gerald FRIED Directeur de la photographie George KRAUSE Montage Eva KROLL Producteurs James B. HARRIS, Kirk DOUGLAS, Stanley KUBRICK Production Bryna Productions, Harris-Kubrick Productions, United Artists Kit pro

CinémaRennes : Les Sentiers de la gloire - En 1916, dans les tranchées. Conscient que seule une victoire spectaculaire pourra rehausser sa réputation peu brillante, le général Broulard incite le général Mireau, en mal d'avancement, à Rennes . Rennes Fougères Vitré Saint-Malo Redon Autres villes . S'inscrire Se connecter Mon compte Maville. Mon compte Mon espace PRO;

Film Les sentiers de la gloire Stanley Kubrik, 1957Château de SchleissheimOberschleißheim 85764 Oberschleißheim, AllemagneUne grande partie de film de Stanley Kubrik fut tourné dans ce très bel édifice de Haute-Bavière dont la construction débuta en 1616. Le long métrage se fonde sur des événements historiques s’étant déroulés pendant la Première guerre mondiale, notamment l’affaire des caporaux de Souain où Réveillac, général, fit tirer sur ses propres hommes parce qu’ils ne voulaient plus sortir de leurs tranchées. Les sentiers de la gloire obtint le prix Chevalier de la Barre lors du Festival de Cannes et influença de nombreux autres réalisateurs, notamment Jean-Pierre Jeunet pour Un long dimanche de fiançailles ou Christian Carion pour Joyeux long dimanche de fiançailles Jean-Pierre Jeunet, 2004Musée d’Orsay1 Rue de la Légion d’Honneur, 75007 ParisAfin d’obtenir des informations supplémentaires concernant la disparition de Manech Gaspard Ulliel, Mathilde téléphone à la sœur de Günther Elina Löwensohn, l’Allemand tué dans les tranchées, depuis la gare d’Orsay. Celle-ci abrite aujourd’hui un musée consacré à l’art occidental de 1848 à 1914. L’équipe de tournage a pu s’y installer un jour où l’établissement était fermé au public. Dans la réalité, la gare d’Orsay n’a jamais accueilli de trains à vapeur aussi imposants que ceux visibles dans le film, mais seulement de petits pour transiter vers la gare d’ grande illusion Jean Renoir, 1937Caserne Quartier Walter à Colmar2 rue des Belges, 68000 ColmarEn plus de Neuf-Brisach ou du Château du Haut-Koenigsbourg, des scènes extérieures du film ont été tournées dans ce lieu abritant le 152e régiment d’infanterie. Surnommé le régiment des Diables rouges » par les Allemands en 1915, il fut fondé en 1794. Jean Renoir a eu énormément de mal à financer son long métrage. Il trouva une producteur grâce à Jean Gabin, le lieutenant Maréchal dans le film. Joseph Goebbels, ministre de la Propagande du IIIe Reich, le censura et chercha à détruire toutes ses copies. La grande illusion fut donc interdit en Allemagne mais également en France à partir du 1er octobre 1940, notamment en raison de son esprit pacifique et de sa volonté de fraternisation entre les peuples. Heureusement, des copies ont été sauvées. Un immense chance pour le l’ouest rien de nouveau Lewis Milestone, 1930Malibu LakeCalifornie 91301, états-UnisOscar du meilleur film et du meilleur réalisateur en 1930, A l’ouest rien de nouveau fut en partie tourné dans les studios Universal et dans le RKO Pathé Studio tous les deux situés en Californie. Dans cet état de l’Ouest des Etats-Unis, d’autres scènes furent filmées dans la Sherwood Forest, dans le Irvine Ranch à Laguna Beach, à Balboa à Newport Beach ainsi qu’au Lac Malibu. Ce parc artificiel fut créé en 1922 lors de la construction d’un barrage. Comme La grande illusion, le long métrage fut interdit en Allemagne une semaine après sa sortie, le 11 décembre 1930 par le Film-Oberprüfstelle, le comité de censure dirigé par grande guerre Mario Monicelli, 1959Forte di Landro39034 Dobbiaco, Bolzano, ItalieConstruit en 1880 pour protéger l’empire austro-hongrois, le Fort di Landro fut le décor du film La grande guerre, racontant la vie de Oreste Alberto Sordi et Giovanni Vittorio Gassman, deux soldats, sur le front italo-autrichien. La forteresse servit d’hôpital militaire dans le film Adieu aux armes réalisé par Charles Vidor. La croix rouge peinte à cette occasion sur sa façade est toujours visible aujourd’hui. Le long métrage de Mario Monicelli fut récompensé par le Lion d’or de la Mostra de Venise en là-haut Albert Dupontel, 2017Hôtel Fortuny9 rue Fortuny, 75017 ParisParmi les rares lieux de tournages parisiens de ce long métrage se trouve l’hôtel Fortuny, principalement utilisé pour les scènes d’intérieur. Construit en 1891, ce bâtiment a d’abord servi de lieu d’habitation, puis d’école de haute couture et d’esthétique et enfin de lieu de tournage pour la société de production d’Albert Dupontel. Outre Au revoir là haut, il y a également tourné 9 mois ferme. Au-revoir là-haut est une adaptation du roman éponyme de Pierre Lemaître, prix Goncourt en 2013. Le réalisateur rencontra par deux fois ce dernier pour discuter ensemble du dénouement du récit après avoir écrit 13 versions de scénario pour son Conan Bertrand Tavernier, 1996Carul Cu BereStrada Stavropoleos 5, București 030081, RoumanieAdaptation du roman éponyme de Roger Vercel, Capitaine Conan suit les pas de cet officier dont le rôle fut tenu par Philippe Torreton sur le front des Balkans. L’une des scènes du film fut tournée dans ce bar-restaurant du quartier de Lipscani à Bucarest. De style néogothique, il fut réalisé sur les plans de Siegfried Kofczinsky en 1899. C’est l’intérieur Art déco qui servit de décor au long métrage de Bertrand Tavernier. Prix Méliès l’année de sa sortie, il fut aussi récompensé par deux César, celui de meilleur réalisateur et de meilleur Gardiennes Xavier Beauvois, 2017Gare de Verneuil-sur-VienneJoyeux Noël Christian Carrion, 2005Château de BriasRue du château, 62130 BriasCe très beau château du XVIIIe siècle abrita le quartier général du Maréchal Foch lors de la Bataille d’Artois. Il fut donc logique pour le réalisateur français de l’utiliser dans son long métrage. Présenté en sélection officielle hors compétition lors du festival de Cannes l’année de sa sortie, il met en scène la fraternisation de soldats français et allemands le jour de Noël autour d’une partie de football. Ce moment suspendu, comme une trêve, fut découvert par Christian Carion dans le livre de l’historien Yves Buffetaut, Batailles de Flandres et d’Artois 1914-1918. Néanmoins, l’armée française refusa de prêter ses terrains pour le tournage parce qu’elle ne voulait pas relater ce tabou militaire. Pour plus de cohérence, dans le film, chaque camp parle sa langue. Si les Français parlent français, les écossais communiquent en anglais et les Allemands dans la langue de Saganne Alain Corneau, 1984Ruines du Fort SaganneDésert Adrar, MauritanieDans le film réalisé par Alain Corneau, le spectateur découvre l’histoire de l’officier Charles Saganne Gérard Depardieu et de ses troupes combattant les tribus révoltées du Sahara en 1911. Les équipes techniques ont créé de toutes pièces ce décor de forteresse sur la piste de Chinguetti, non loin de la passe d’Amogjar. Attention néanmoins, le ministère des Affaires étrangères met en garde les touristes car la zone est peu sûre. Une mini-série pour France 2 fut déclinée du film, agrémentée de scènes inédites. Le conseil d'achat Fantrippers Carte LONDRES des 100 lieux cultes La carte Londres Fantrippers, un moyen original de découvrir la capitale britannique ! A travers 100 lieux de la pop culture arpentez ses rues sous un autre angle. Films, séries, musiques, bandes dessinées et romans, vous permettront de passer un agréable moment dans la Ville-Monde. De format plié 10 x 18 cm et 60 x 54 cm dépliée, elle se glisse aisément dans votre poche ou votre sac pour être consultée facilement. Afficher la suiteAcheter au meilleur prix sur Par Anthony Thibault vendredi 8 novembre 2019 Discutons de cet article

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